Al diseñar, Erdem Moralıoğlu suele comenzar con una historia. Nacido en Montreal, se graduó del Royal College of Art en 2003 y fundó ERDEM en Londres dos años después. Desde entonces, la marca ha desarrollado un lenguaje reconocible alrededor de la feminidad, la historia, la literatura y una investigación minuciosa de sus personajes y referencias.
Sus colecciones pueden partir de una escritora, una fotografía, una pintura, una casa histórica o una figura que ha quedado al margen del relato dominante. Para Moralıoğlu, el interés está en identificar sus contradicciones y traducirlas en color, proporción, textura y silueta.
ERDEM llegó a sus veinte años como una de las casas independientes más reconocibles de la moda británica. Mantener esa independencia es una parte central de esta conversación, no solo como forma de conservar libertad creativa, sino como responsabilidad sobre cada decisión que permite que una firma crezca sin diluir su identidad.
Los libros han sido centrales en tu vida y en tu trabajo. En una época dominada por la tecnología, ¿qué sigue fascinándote de las historias impresas?
Crecí en una casa llena de libros, así que leer siempre fue algo natural para mí. Me interesa la materialidad del libro, pero también la concentración que exige. A menudo empiezo la semana en The London Library, investigando y dibujando. No puedes usar el teléfono ni hablar. Ese silencio es cada vez más raro y, por eso mismo, muy valioso.
La narrativa ocupa un lugar central en tus colecciones. ¿Cómo construyes una historia antes de diseñar?
Casi siempre empiezo por una narración. Puede ser una novela, una fotografía, una pintura o incluso una placa azul en un edificio. Investigo de manera obsesiva y dibujo hasta que empieza a aparecer un mundo. Me interesa más la psicología de una historia y aquello que puede estar escondido debajo de ella.
Cuando partes de una figura como Hélène Smith, ¿cómo traduces su historia sin convertir la colección en vestuario?
Nunca me interesa reproducir literalmente lo que alguien llevaba puesto. En Hélène Smith me fascinaba su imaginación: una mujer que podía ser mística, reina y marciana. Esas contradicciones terminan convertidas en color, proporción, textura y silueta. La persona es el punto de partida, no la conclusión.
¿Qué papel juega la ropa en la construcción o revelación de una identidad?
Siempre me ha interesado la capacidad transformadora de la ropa. The Imaginary Conversation reunía mujeres difíciles de definir: escritoras, bailarinas, botánicas, actrices, outsiders. La ropa puede revelar algo de ti, pero también ocultar, proteger o permitirte convertirte en otra persona. Esa ambigüedad me interesa mucho.
Tu formación con Vivienne Westwood fue decisiva. ¿Qué permanece de esa experiencia en tu manera de relacionarte con la historia británica?
Ser aprendiz con Westwood fue fundamental. Aprendí sobre construcción y oficio, pero sobre todo vi la irreverencia con la que Vivienne trataba la historia. Nada era sagrado. Un frac del siglo XVIII podía desmontarse y convertirse en algo completamente distinto. Esa libertad se quedó conmigo.
¿Qué te ha dado Londres creativamente?
Londres me dio la posibilidad de convertirme en diseñador. En el Royal College of Art estaba rodeado no solo de moda, sino también de artistas, arquitectos, fotógrafos y diseñadores textiles. Esa mezcla sigue definiendo la ciudad para mí. Londres puede ser difícil, pero su historia, su excentricidad y el choque constante de ideas siguen alimentando mi trabajo.
Has trabajado también en vestuario. ¿Qué te permite expresar el costume design que la moda no?
En el vestuario, la ropa tiene que servir a la actuación. Cuando diseñé para el Royal Ballet en Corybantic Games, el movimiento era fundamental. Los trajes solo terminaban de existir cuando los bailarines se movían. Me gustó mucho esa disciplina y la colaboración con Christopher Wheeldon. Volvería a trabajar en teatro o cine si apareciera el proyecto adecuado.
¿Qué lugar ocupa todavía la pasarela tradicional en un sistema de moda que se ha acelerado tanto?
Sigo creyendo completamente en el desfile. Todo a su alrededor se ha acelerado, pero hay algo insustituible en experimentar la ropa físicamente: el movimiento, la música, el casting y el espacio al mismo tiempo. Además, creativamente me gusta que cada temporada te obligue a empezar de nuevo.
¿Cómo ha cambiado la manera en que tus clientes entienden el lujo y la calidad?
Creo que cada vez más personas quieren entender por qué algo existe. En un mundo de exceso y velocidad, la permanencia se siente lujosa. El oficio, el origen y la individualidad importan más. Un objeto bello debería tener suficiente significado e integridad como para querer vivir con él durante mucho tiempo.
¿Qué significan para ti la riqueza, la opulencia y la calidad?
La riqueza no es simplemente decoración. Puede estar en la complejidad de una costura, en el peso de una tela o en la cantidad de pensamiento detrás de algo. Me interesa la opulencia cuando contiene tensión: romance con algo más duro debajo. La calidad, al final, consiste en hacer algo que valga la pena conservar.
¿Por qué ha sido tan importante para ti mantener Erdem como una casa independiente? ¿Puede una marca crecer sin diluir su identidad?
Construir una casa independiente durante veinte años es algo de lo que estoy profundamente orgulloso. La independencia te da libertad, pero también te hace responsable de cada decisión. Crecer es importante, pero ese crecimiento tiene que fortalecer la identidad de la casa, no diluirla. La escala sin un punto de vista termina siendo irrelevante.
¿Cómo imaginas ERDEM dentro de diez años? ¿Ves espacio para menswear o la moda femenina seguirá siendo tu principal lenguaje?
Desconfío un poco de los planes creativos a diez años. Prefiero mantener la curiosidad y dejar que la casa evolucione de manera natural. La moda femenina y las ideas alrededor de la feminidad siguen siendo fundamentales para mí, pero nunca quiero decir nunca. Muchas veces, lo más interesante es aquello que no planeaste.
Talento: Aylah Peterson de Premier Model Management.
Maquillaje: Jo Frost usando Lisa Eldridge Beauty y ELEMIS. Pelo: Masayoshi Fujita usando Davines. Manicure: Giulia Oldani. Diseño de set: Penny Mills. Construcción de set: Will Young. Producción: Annie Campbell para Altered Management. Digitech: Caitlin Chescoe. Técnicos de iluminación: Jody Evans, Luca Pellegrino. Asistentes de stylist: Daniel Zepeda y Andrea Aguirre. Asistente de diseño de set: Tilly-Rose Evans. Locación: Big Sky Studios.